Als Drehort sind die Alpen einsame Spitze. Doch nicht jedes Werk, das hier entstand, wird auch als Bergfilm wahrgenommen. Wir stellen Fundstücke abseits des klassischen Genres vor, vom Klischee des Helden im Fels befreit:
Heimlicher Alpenfilm #23
„Mary Shelley’s Frankenstein“ wurde am Genfersee geboren, im „feuchten, unfreundlichen Sommer“ 1816, wie sich die Schriftstellerin im Vorwort zu ihrem Schauerroman erinnert. Der Ausbruch eines indonesischen Vulkans hatte das Weltklima ins Schwanken gebracht, und das Extremwetter fesselte die Dichterrunde um Lord Byron, Mary und Percy B. Shelley an die Villa Diodati. Was lag näher, als einen Wettstreit um die beste Gespenstergeschichte auszurufen?
Bereits in seiner Kindheit war der mexikanische Filmemacher Guillermo del Toro, virtuoser Puppenspieler im Dark-Fantasy-Genre, vom berühmtesten Monster der Literaturgeschichte fasziniert. Nun hat er selbst eine Version des aus Leichenteilen zusammengeflickten Kaventsmannes zum Leben erweckt, unterstützt von einem tollen Cast, darunter Jacob Elordi, Mia Goth und Christoph Waltz. Nur Oscar Isaac gibt seinem Victor Frankenstein eine zu schrille Note. Del Toros bildmächtige, oscarreife, streckenweise allerdings etwas rühselig geratene Neuinszenierung läuft seit 7. November bei Netflix.
Unter dem Eindruck der Experimente Darwins grübelt Shelley über die Ursprünge des Lebens, thematisiert die menschlichen Manipulationsversuche wiewohl das Scheitern der Vernunft – und pflanzt so ihrem Werk eine geradezu seherische Brisanz ohne Verfallsdatum ein. Indessen konzentriert sich del Toro auf den Humanismus in dem Horrorklassiker: das Ungeheuer als unverdorbener Naturmensch, der sich nach Liebe sehnt, nur äußerlich ein Monstrum.
Bloß einen kurzen Moment der Ruhe gönnt Guillermo del Toro dem Wesen, (mit stoischer Empfindsamkeit gespielt von dem hünenhaften Elordi), nachdem es der Folterkammer seiner Herkunft entkommen ist und als heimlicher Gast in einem abgeschiedenen Bauernhof Unterschlupf findet. Der blinde Bewohner dieser Holzhütte wittert seine Präsenz ebenso wie seine Gutmütigkeit und lässt es gewähren. In diesem geschützten Raum lernt es sprechen, lesen und entwickelt erst eine Vorstellung, dann den drängenden Wunsch nach Identität und Zugehörigkeit. „Mein Name ist Osymandias“, stammelt die Kreatur in Anlehnung an das Sonett von Marys Ehemann Percy Bysshe Shelley über den Kontrast von Selbstherrlichkeit und Ruin, an dem sie sich abgearbeitet hat.
Und nur in dieser Phase der Filmerzählung scheint die Landschaft wohlwollend: Der Alpenkamm im Hintergrund wirkt als Beschützer der Idylle, die sich im satten Wiesengrün und im unschuldigen Weiß eines Blütenteppichs, später auch in den Schneeflocken manifestiert. Guillermo del Toro zitiert die süßliche Überfülle der präraffaelitischen Naturvisionen. Überhaupt hat er sich großzügig am Bilderbuffet der Romantik bedient. Caspar David Friedrichs „Watzmann“ und das „Eismeer“ (beide unten) standen ebenso Pate wie die Christusdarstellungen von William Holman Hunt mit ihrer Kreuzigungssymbolik und den flatternden Bändern. Frankensteins Monster als Messias, das ist schon ziemlich kühn und neu gedacht.
Caspar David Friedrich war nie in den Alpen und hat in seinen Bergbildern dennoch Wirklichkeitstreue mit Theatralik genial verknüpft. Und Guillermo del Toro drehte seinen „Frankenstein“ nicht an den Originalschauplätzen des Romans – etwa der Gletscher über Chamonix oder das Nordpolarmeer – sondern unter anderem in schottischen Gefilden um Glasgow, Stirling und Arbroath sowie in den kanadischen Rocky Mountains. Er fand aber umso eindringlichere Bilder für Mary Shelleys Vorstellungswelt, die sich auf mehreren Schweiz- und Frankreichreisen formte: „Und darüber ragten die weißen, schimmernden Kuppeln und Pyramiden der Alpen in überirdischer Pracht, wie Wohnungen von Wesen, die so ganz anders sind als wir.“
Im Gletschersystem des Mont Blanc – das „Mer de Glace“ floss Mitte des 19. Jahrhunderts noch wie ein flaches, aber aufgewühltes Eismeer vom Bergmassiv bis hinunter in das Tal von Chamonix und ist seitdem um mehr als zwei Kilometer geschrumpft – stoßen Schöpfer und Kreatur wieder aufeinander. „Auch wenn ich nur Stückwerk bin, ich denke, ich fühle. Mach eine wie mich“, fleht das vermeintliche Monstrum, nun ganz Menschenkind und in seiner Einsamkeit gefangen, im Film seinen Erzeuger um eine Gefährtin an. Frankenstein ist grausam genug, den Herzenswunsch harsch abzulehnen, und die traurige Gestalt wendet sich nun in Rage gegen ihren Schöpfer.
Bei Shelley entrinnt niemand in der unermesslichen Weite von Eis und Schnee, im „Brüllen der stürzenden Lawinen“ den Naturkräften. Weder den äußeren noch den im Menschen selbst schlummernden. Die Überlegenheit des „modernen Prometheus“ (so der Untertitel des Romans) ist gescheitert und begraben wie Caspar David Friedrichs Schiff in den aufgetürmten Schollen des Eismeers, wohin Frankensteins Geschöpf schließlich flüchtet. Im Film erlöst dieser skurrile Messias seinen Vater, ihm selbst bleibt dies versagt.
Text © Alexandra González
https://www.netflix.com/de/title/81507921
Das italienische Gorizia und das slowenische Nova Gorica wurden getrennt und sind als Kulturhauptstadt Europas 2025 wieder zusammengewachsen. Gorizias wechselvolle Geschichte im Schnelldurchlauf: Zunächst war es eine mittelalterliche Grafschaft, dann Teil der Republik Venedig, bevor es unter die Herrschaft der Habsburger gelangte und das österreichische Görz schließlich im Ersten Weltkrieg wieder an Italien fiel. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wurde die Grenze zwischen Italien und Jugoslawien neu gezogen und Gorizia geteilt. Nun entwickelte sich Nova Gorica als sozialistisches Vorzeigeprojekt mit modernen Krankenhäusern, Schulen und Wohnbauten, eine Planstadt nach den Vorstellungen des Le Corbusier- und Plečnik-Schülers Edvard Ravnikar. Durchlässig wurde die Grenze erst wieder mit dem EU-Beitritt Sloweniens im Jahr 2004. Heute können wir am neu gestalteten Europaplatz einen Fuß auf italienischen und einen auf slowenischen Boden setzen und dabei den Herzschlag Mitteleuropas fühlen.
Wir empfehlen, mit einem Spaziergang durch die Via Rastello, der ältesten Straße Gorizias, zu starten. Sie beginnt an der Piazza della Vittoria. Im Jugendstilgebäude Casa Krainer, Hausnummer 43, befindet sich die originellste Spielstätte von G0! 2025. Während im ersten Stock der Trentiner Videokünstler Stefano Cagol in einprägsamen Bildern gegen die Klimakrise protestiert, dokumentiert der abgenutzte Parkettboden unter dem perfekt erhaltenen Kassenhäuschen und den imposanten Eichenregalen im Erdgeschoss die 100-jährige Liebe der Bewohner Gorizias zu ihrem Eisenwarenladen Ferramenta Krainer.
Auch der Palazzo Attems Petzenstein liegt nur einen Katzensprung entfernt. Das seit 1900 dort ansässige Provinzmuseum beherbergt eine Pinakothek und spannt in der eigenen Sammlung den Bogen vom Stillleben mit Görzer Obst – eine paradiesische Vielfalt mit der Kirsche als Königin – bis zu den Julischen Futuristen und darüber hinaus. Und nichts geht hier ohne Zoran Mušič, einen der berühmtesten Söhne dieser grenzüberschreitenden Stadt.
Die Pferdchen erinnern an Höhlenzeichnungen, schweben auf spindeldürren Beine durch die flirrende, karge Landschaft des Südens. Im Gegensatz zu diesen heiteren Tierdarstellungen stehen die den Horror bündelnden Zeichnungen aus dem Konzentrationslager Dachau, wohin Mušič deportiert worden war, nachdem die Gestapo ihn der Spionage bezichtigt hatte. Dieses Trauma verarbeitete er ab 1970 auch im Bilderzyklus „Wir sind nicht die Letzten“, der ebenfalls gezeigt wird.
Ganz nahe kommt man der Künstlerseele in Mušičs Landschaften. Karstimpressionen aus Istrien und Dalmatien sind ebenso darunter wie die in wenigen Pinselstrichen eingefangenen kahlen Hügelformationen rund um Siena. „Diese wüsten Landschaften gleichen dem Leben. Ein von der Sonne versengtes und vom Wind durchgerütteltes Leben“, sagte Mušič, der 2005 im Alter von 96 Jahren in Venedig starb. Es war ein langes, produktives Leben, das sich durch Grenzen nicht einhegen ließ – ein Idealfall für GO! Borderless.
Mal sitzt das Lächeln schief, mal wirkt es selig. Hier kräuselt sich ein Mund zur Schlangenlinie, dort werden Zähne gezeigt: Wer Stefan Sagmeisters Ausstellung BETTER im andalusischen Kulturzentrum La Térmica besucht, darf einen Tischtennisball bemalen, um seiner momentanen Verfassung Ausdruck zu verleihen, solange dieses kugelrunde Emoji dann zu den vielen anderen ins Regal gelegt wird. So kommt es, dass Málaga gerade das charmanteste Stimmungsbarometer der Welt besitzt, ersonnen von einem Grafikdesigner aus Vorarlberg, der seit vielen Jahren in New York lebt.
Heute bringt die milde Wintersonne die bunten Azulejos in den Gängen der ehemaligen Casa de Misericordia zum Leuchten. Dieses „Haus der Barmherzigkeit“ beherbergte gut 100 Jahre lang Waisenkinder, verarmte alte Menschen sowie andere Schutzbedürftige und ist seit 2012 ein spannendes Zentrum für Gegenwartskultur im einst industriell geprägten Süden der spanischen Stadt. Aus den Ateliers schallt Gelächter, und man kann sich im Augenblick kaum vorstellen, dass jemand ein übellauniges Gesicht zeichnet.
Wie bei so vielen Lehrgedichten der alten Zen-Meister verläuft die Erkenntnis zunächst über die Verwirrung. Manchmal vermag die Kunst, den Weg zu beleuchten. Sandôkai ist jetzt nach Murnau an den Rand der Berge gelangt – in Form einer gleichnamigen Malerei von Jon Groom, die als achtteilige Suite an den Wänden der Pulpo Gallery hängt. Vor diesen Bildern werde ich den Abend verbringen. An einer langen Tafel, tatsächlich der Stamm einer Eiche, in die der Blitz gefahren ist, sind wir zum Künstlerdinner zusammengekommen.
Oder wie die beiden Evidence Paintings, schon 1994 in Grooms großer Soloschau des Münchner Lenbachhauses präsentiert. Rechteckige Flächen in Pechschwarz und gebrochenem Weiß sind zu kompakten Formen zusammengeschlossen, die auf grauem, schneeweißem oder nachtschwarzem Grund schweben und dabei fast eine körperliche Wirkung erlangen. Es geht darum, was zwischen den Farben geschieht.
Bei der Erschließung seiner Bildwelten bietet Jon Groom gerne fernöstliche Weisheiten an. „Meine Gemälde sind leer und zugleich gefüllt“, sagt er. Und: „Abstraktion handelt vom Mysterium, eine Farbe neben die andere zu setzen.“ Das Arkanum lässt sich auch über einen Bezug zur Landschaft entschlüsseln, eine Naturerfahrung, die sich in dieser Gegend auf denkbar reizvollste Weise gestaltet und zahlreiche Künstlerinnen und Künstler angezogen hat.
Für mich besteht der größte Luxus einer Schlossbesichtigung in der Vorstellung, sich für einen Moment an diesem Ort ganz zu Hause zu fühlen. Und der Frage, wie ich mir in den fürstlichen Gemächern und royalen Gartenanlagen die Zeit wohl am herrlichsten vertreiben könnte. Grandioses Kopfkino. Allerdings schränkt die Menge der Mitwirkenden diese Art von Genuss empfindlich ein: Bei 1, 4 Millionen jährlichen Neuschwanstein-Gästen etwa kann keine Stimmung aufkommen.
Alle Parkbauten – außer dem sogenannten Königshäuschen – liegen im Dornröschenschlaf, die Wasserspiele sind eingestellt. Steinerne Figuren und Zinkgussvasen werden mit maßgefertigten Einhausungen geschützt. Manche erinnern an die Freiluftskulpturen und amorphen Passstücke von Franz West, die mit ihren ungeschönten Nahtstellen und ruppigen Oberflächen als unförmige Auswüchse „Neurosen sichtbar machen“, wie der Künstler einmal sagte.
Hoch über der Terrassenanlage ragt ein griechischer Rundtempel auf, im Zentrum eine marmorne Venusfigur mit zwei Amoretten. Den Monopteros umgibt ein Reifrock aus Plastikplanen, als hätten Christo und Jeanne-Claude diese Abdeckung ersonnen. Und auf der Nordseite des Schlosses lässt eine verhüllte Neptungruppe, die den unteren Abschluss der Kaskade bildet, an die Wrapped Objects des Künstlerpaares denken.
Auch Hundinghütte und Einsiedelei des Gurnemanz liegen hermetisch verschlossen am östlichen Parkrand. In diesen stillen Winkel verirrt sich heute kaum jemand. Ludwig II. nutzte die von den Bühnenbildern aus den Wagner-Opern Parsifal beziehungsweise Walküre inspirierten Klausen als Rückzugsorte zur Lektüre oder um zwischen Bärenhäuten an seiner Privatmythologie weiterzuspinnen. Derart abgeriegelt wird die Architektur zur Skulptur und die Fiktion wandelt sich zur Realität. Vor allem die Einsiedelei wirkt mit ihrem windschiefen, von Baumstämmen gestützten Schindeldach wie ein Vorgängermodell zu Mark Dions Witches‘ Cottage, erst 2022 im Morsbroicher Skulpturenpark entstanden. Die Kunst, in allem Kunst zu sehen, hier lässt sie sich vorzüglich trainieren.
Im Königshäuschen, der Urzelle des heutigen Schlosses, rollt die aktuelle Ausstellung „Vom Lydner-Hof zum Schloss“ die gesamte Geschichte auf: angefangen beim Namensstifter Hans Linder, der hier ab 1479 einen Hof bewirtschaftete, über Königin Marie von Bayern – Ludwigs Mutter –, die in einer feschen Tracht aus schwarzem Loden auf die Berge stieg und als eine der ersten bayerischen Alpinistinnen gelten darf, bis hin zu den touristischen Anfängen im August 1886. Übrigens nur wenige Wochen, nachdem der Kini am 13. Juni im Starnberger See tot aufgefunden worden war.
Auf Streifzügen durch die Prosecco-Hügel lohnt sich immer auch ein Abstecher nach Possagno. Dieser am Fuße des Monte Grappa im nördlichen Veneto gelegene Ort gehört ganz und gar Antonio Canova, der 1757 hier geboren wurde. Und seit 1957 auch ein bisschen Carlo Scarpa.
Ganz anders die weiblichen Figuren, für die Canova eine weit poetischere Sprache fand. Die Drei Grazien liebkosen sich in einer einzigen fließenden Bewegung. Und wenn Psyche mit spitzen Fingern auf Amors Handfläche einen Schmetterling setzt, wird der Mythos mit einem Mal greifbar und lebendig.
Mitte der 1950er-Jahre betraut man den 1906 in Venedig geborenen Architekten Carlo Scarpa mit dem Erweiterungsbau der Gypsotheca. Er befreit die Skulpturen, zumindest einige von ihnen, aus ihrer Totenstarre, indem er mit Helligkeit, Heiterkeit und Leichtigkeit interveniert. Seine aus den Ecken des Annex in den Raum ragenden Quaderfenster, Splitlevel und Wasserbecken lassen das Museum behaglich erscheinen – und zugleich lush wie eine kalifornische Villa. Amor, Psyche und viele andere Schönheiten baden und tanzen jetzt im Licht.
Auch Canovas kleine, expressive Terracotta-Modelle, die unerwartet modern anmuten, erhalten in neuen Holzvitrinen endlich die Aufmerksamkeit, die sie verdienen.
Auf dem Kolovrat-Kamm herrscht Stille. Nur das Gurren eines Birkhuhns wird vom Wind herübergetragen. Unter den blaugrauen Wolkenmassen breitet sich eine Landschaft aus, die sich auf der einen Seite über das slowenische Soča-Tal bis zum Triglav-Massiv und auf der anderen Flanke bis zur Adriamündung dieses Flusses zwischen Grado und Monfalcone erstreckt. Isonzo heißt die Soča auf italienischem Boden.
Die Geburt einer Glocke steht am Ende eines nervenzehrenden und schweißtreibenden Prozesses. Erst, wenn sie nach dem Guss abgekühlt aus der Erde gegraben wird und der erste Anschlag erfolgt, wissen die Handwerker, ob sie volltönend und in der richtigen Frequenz erklingt. Zahlreiche dieser Wunschkinder hat die Erdinger Glockengießerei zwischen 1850 und 1971 zur Welt gebracht. Für ihren Wohlklang gefeiert wurden die tonnenschweren Bronzeriesen des Traditionsbetriebs überall. Das tontiefste Exemplar Bayerns (nach der Christus-Salvator-Glocke in Kloster Scheyern) ist die Jubiläumsglocke im Turm von St. Peter in München, von dem man bei klarem Wetter die Berge sieht. Sie stammt ebenso aus Erding wie das Geläut in der Benediktinerabtei Santa Maria de Montserrat bei Barcelona oder die Marienglocke der voralpinen Klosterkirche Andechs.
Und es gibt noch einen Grund, warum uns dieses Kunstwerk trotz seines kühlen Materials so herzerwärmt. In den Rundstäben hat Christian Hinz 1500 Schlösser eingehängt und auf 500 davon die Namen von Glockengießern, Glocken, deren Größe, Schlagton und Standort geprägt. Allesamt aus der Erdinger Gießerei, versteht sich. Wer mag, kann sich bei den verbleibenden Vorhängeschlössern als Poetin oder Poet betätigen und einen Spruch von Künstlerhand eingravieren lassen. Viele Liebesbekundungen sind bereits darunter. Reichlich Neugierde hat bei Christian Hinz eine Zahlenreihe erzeugt, die ein Erdinger Bürger in Auftrag gegeben hat: „Niemand außer ihm weiß, was dieser Code bedeutet.“
Der Älteste lebt aus mysteriösen Gründen auf dem Dachboden versteckt. Der Zweitgeborene begehrt die Mutter und wird sich nach ihrer gemeinsamen Liebesnacht vom Berggipfel stürzen. Der dritte Sohn – Jahrgangsbester auf dem örtlichen Butler-Gymnasium – besiegelt das Schicksal der Familie mit seinem empfindlichen Ehrgefühl.
